O nome da exposição é “Floresta Negra”. O artista, Anderson Santos. Baiano de Salvador, nasceu em 1973, é pintor, trabalhando principalmente com o óleo sobre tela, cartão, madeira, e desenhista, utilizando o grafite ou o carvão sobre papel, e destes dois caminhos desenvolvendo pintura e desenho digital no iPad, adaptando a técnica tradicional para esta nova realidade digital, com isto realizando experimentos em vídeo, cartazes e storyboards para cinema.

Marcada pela presença humana e de animais, onde a imagem dentro da imagem está sujeita a manchas ou proporções que a distorcem, Anderson Santos produz uma pintura expressiva, ao trazer a figura, em sua angústia e seu cotidiano, a uma posição central, tema logo visível desde o início de suas mostras em 2002, e nas diversas fases, séries, ou nos assuntos seguintes que elabora tendo como títulos – alegorias, dissonâncias, mulheres. Mas o tempo é o seu tema maior.

Há em sua obra várias influências contemporâneas, como ele mesmo diz: “Tive um terrível impacto ao ver o trabalho de Francis Bacon, fiquei perplexo como no trabalho dele, a tinta/carne se dissolvia e ainda se podia ver naquilo tudo uma aparência com o objeto representado, como se de repente a figura se tornasse ainda mais viva, ou melhor, mais real. Como numa compulsão tentei me aproximar do universo pictórico de Bacon, como ele também fizera com Velásquez e Picasso. Essa influência, mesmo já estando diluída, pode ser vista até hoje no meu trabalho, principalmente na paleta de cores em que trabalho”.

O figurativo destas obras, em seus tons ou nuances, provoca a tensão entre dois mundos, o instável e o estável, e neles as dissonâncias que trazem um desenho (sua base para o salto é o desenho), aonde absorve temas desde a decrepitude da carne, (ou seria do afeto?), ao imprimir uma visão do envelhecimento e da morte, contundente, cáustica, incomodativa em seu retrato real, “nos quais o humano é capaz de contrariar, negar, distorcer, ignorar e até mesmo desencadear uma perda de contato com a realidade estável”, mas que não a torna de inteira realista, pois ao criar cenas apropriadas, não devemos esquecer que seu trabalho elabora uma pintura de composição, e disto, ao acrescentar o tom de suas cores, que em variações mínimas objetivam o que quer apresentar.
Se olharmos por outro caminho, temos em Anderson a criação das imagens em movimento, as cenas não são estáticas, este é só um momento de transição entre dois instantes, e onde se encontra um entendimento maior para absorver deste seu mundo o que seria imutável por outro que traz a mobilidade, para com isto superar o caráter de representação, o já nomeado realismo figurativo, tão visível, que de tão visível deixa de ser visto, mas que serve em sua pintura ou desenho para confrontar o espectador diante da superfície, no contraste dos planos, sem deixar, contudo, ver o conteúdo íntimo da imagem, apenas as mudanças que tende ainda a ousar ao nos colocar diante de tal reflexão, principalmente por ele pintar e desenhar não o que vê, mas o que elas acabam despertando em nós. Estamos diante de obras para nos fazer pensar – na arte, na vida.

A mostra “Floresta Negra”, além da pintura tradicional utiliza a potência do tablete IPad e aplicativos para pintura e desenho de última geração que simulam a textura das principais ferramentas artísticas como lápis ou tinta óleo e que permitem aplicar a técnica que desenvolve da sua pintura sobre tela para a realidade digital. Oferecendo obras pintadas diretamente a mão na tela do iPad que resultam em arquivos digitais versáteis, impressos em papel de alta qualidade ou em canvas, mas que servem também para camisetas, proteção de tela para computadores, capas para tablets e smartphones, canecas e uma infinidade de aplicações.

Anderson Santos é graduado em Artes Plásticas pela Universidade Federal da Bahia (UFBA). Tem mostras nas principais capitais brasileiras. Participou na Itália da Expoarte, expôs em Milão, em ocasião da Expo 2015, e da Esposizione Triennale delle Arti Visive em Roma. Possui obras em coleções particulares e fundações no Brasil, na Europa e nos Estados Unidos.
Entre suas atuações vale ressaltar a de professor, ministrando oficinas de pintura digital com tablete, voltada àqueles que desejam aprender a desenhar e pintar com os novos aplicativos que simulam a pintura tradicional para IPad e tabletes, com foco no aplicativo artrage disponível para os sistemas operacionais iOS e Android.
Anderson foi um dos membros do coletivo  internacional responsável pela publicação da revista online Boardilla (http://issuu.com/boardilla), na qual se ocupava da editoração gráfica e curadoria, além de produzir e dirigir artisticamente as exposições de artes visuais da revista. Atualmente é Diretor Artístico de Ripensarte (http://ripensarte.it/) e um dos responsáveis pela publicação da revista online Magazzino (http://magazzino.ripensarte.it/pt/). Divide seu atelier entre Salvador e Milão.

Claudius Portugal entrevista Anderson Santos

1)   Seguindo sua obra, temos um trabalho em óleo sobre tela, cartão e madeira e na sua técnica adaptada para o digital, como temos o desenhista, utilizando o grafite ou o carvão sobre papel, e destes dois caminhos desenvolvendo pintura e desenho digital no iPad, adaptando a técnica tradicional para esta nova realidade digital, com isto realizando experimentos em vídeo, cartazes e storyboards para cinema. A integração destas diversas linguagens – a pintura, o grafite, a fotografia digital, é onde trilha o seu processo de permanente busca da experimentação? 

Sinto que na verdade, estou aprendendo maneiras de traduzir em imagem, uma sensação que me toma, algo que me move.  Acho que ao longo do meu percurso de trabalho venho tentando encontrar as melhores formas de fixar as coisas que me movem, utilizando as ferramentas que me estão ao alcance. Não tenho comigo, um apreço especial pela  ideia de experimentação, mas sou curioso, gosto de descobrir coisas e se sinto que podem me ajudar a realizar o que imagino, e me interesso por elas. O meu encontro com o Ipad, por exemplo, se deu por acaso. Procurava uma ferramenta para ler livros em formato pdf enquanto meu filho maior dormia. De repente descobri um novo instrumento de trabalho. Apesar de acreditar que consiga transitar entre estas diversas linguagens, o que me interessa neste trânsito é qual delas me aproxima da sensação que me move e como fazer com que elas se comuniquem sem atritos.

2) Como se realizam estas imagens? Sua elaboração provém de uma intervenção artística sobre imagens da realidade, um registro de fatos cotidianos, ou uma imersão na memória? É desta experimentação em linguagens e técnicas que se produz primordialmente num diálogo cotidiano entre arte e vida? Ou há outras pontes para chegarmos a sua arte?

Antes minha produção se dava através de referências fotográficas que produzia a partir do meu contato com pessoas que de alguma maneira me interessavam, que me suscitavam algum estranhamento. Eram amigos, companheiras e familiares que  me serviam como modelo e que eu fotografava, depois pintava em tela tendo a fotografia como referência. O ponto de partida, de certo modo continua o mesmo, mas aos poucos fui montando um banco de imagens, e é a partir deste banco que hoje combino digitalmente as fotografias para produzir as imagens de referência para a pintura.

Agora com as possibilidades conquistadas pelo fato de trabalhar com o digital, posso combinar essas fotografias de diversas pessoas diferentes para compor uma imagem que me serve de referência. Uma vez construído esse modelo, parto para a pintura manual, seja em tela, tablet ou smartphone. É tudo produzido de modo artesanal. Penso sempre no método de elaboração de referências de Francis Bacon, nas imagens do ateliê do pintor onde se veem as fotografias dobradas, recortadas e que serviam de ponto de partida para a pintura.
Minha pintura é de composição, persigo a possibilidade de construção de uma imagem que se aproxime daquilo que me moveu, tirou de um estado, e me levou a outro. As intervenções sobre a realidade se dão porque como dizia Ferreira Gullar, “a arte existe porque a vida não basta”. Todo meu repertório parte do meu cotidiano, o que vivo, os meus encontros, e o que vivi, mas na pintura e para a pintura acontecer, é preciso alcançar um lugar mais real, mais próximo daquilo que entendo como realidade.

3) Passando para a temática, temos a forte presença humana e de animais, onde a imagem dentro da imagem está sujeita a manchas ou proporções que a distorcem, produzindo uma pintura expressiva, ao trazer a figura, em sua angústia e seu cotidiano, a uma posição central, tema logo visível desde o início de suas mostras em 2002, e nas diversas fases, séries, ou no assunto seguinte que elabora tendo como títulos – alegorias, dissonâncias, mulheres. Vamos falar delas:

a) O que pode dizer de “Alegorias”?
“Alegorias” não é uma série. Os quadros que reúno sobre este título são quadros de entressafra. Quando termino uma série de pinturas sempre pinto uma “Alegoria” com tudo que me interessa naquele me momento e, ao mesmo tempo, fazendo referência a todas as minhas principais referências. Busco o meu chão, o que me interessa, desde sempre, para poder começar um novo caminho. É uma maneira que achei de concluir um trabalho sem necessariamente começar outro. Um descanso. Um baba. E quase sempre neste exercício de pintar uma “Alegoria” que encontro elementos que vou utilizar na próxima série de pinturas.

b)  E de “Mulheres”, série de pinturas e desenhos feitos em 1998 e 2002?
Esta série é o resultado do meu contato com a obra de Francis Bacon, minha tentativa de me aproximar do seu universo e de lidar com o impacto que essa obra me causa. Eu não tinha conhecimento da obra dele até minha ida à Bienal de São Paulo. Lá, no meio da minha desilusão com os Van Goghs, e depois de me deliciar com o quadrado branco sobre o fundo branco, de repente me deparei com a obra de Bacon… Foi um assalto. Levei muito tempo para entender o que Bacon tinha visto nos quadros dos anos 20 de Picasso, e descobri um universo de possibilidades para a construção do meu repertório ali, na micro distorções da figura, de tentar tornar reconhecível um corpo depois de todos os recortes possíveis,  e por isso fui tateando, pintando, processando aquela impressão e construindo aquela série. Chamo de impressão porque acredito que aquilo de alguma forma se imprimiu no meu olho, modificou a meu modo de perceber.

c) E ”Dissonâncias”, em 2013?
Eu tinha acabado de produzir uma série de pinturas chamada “Paisagens”, que tratava do peso do tempo sobre os corpos, e estava bem cansado da maneira como pintava. Precisava abandonar aquele repertório. Um dia me deparei por acaso com um documentário sobre o pintor Michael Borremans chamado A knife in the eye, no youtube, e numa das cenas o artista estava preparando um vídeo onde pessoas se movimentavam em câmera lenta, em volta de si mesmas. Aquilo pra mim era como ver uma pintura de Bacon em movimento. Pedi auxílio à fotógrafa Cecilia Tamplenizza e fizemos um vídeo em que girávamos em uma cadeira giratória, dessas de escritório. Depois dividimos este vídeo em uma sequência de fotografias que se transformaram na base da série que desenvolvemos juntos e que levou o nome de “Dissonâncias”. De certa maneira, hoje entendo aquela série um pouco como as “Alegorias”, um modo de rever uma influência crucial para entender um novo passo a seguir.

d) Ou outras que considera importante em seu trajeto
A série “Rastros”, que veio em seguida e que de certa maneira ainda está em desenvolvimento  Porque enquanto desenvolvia esta série comecei a lidar mais ainda com a noção de memória, da importância da memória, do cheiro dos corpos retratados que não desgruda de mim, mesmo aquele do cão, mas também da importância de celebrar a generosidade dos modelos, de me confiarem suas peles, da relação de intimidade, ainda que momentânea, construída. Aprendi a lidar com as ausências, com novas presenças, e tive que aprender novas formas de como apresentar estas ideias em pintura. Reaprendi a desenhar para realizar esta série, e perdi um pouco do medo que ainda tenho com o desenho.

4) Há em sua temática o fazer de uma arte relacionada com sua história pessoal? Sua arte busca no registro do cotidiano pessoal uma referência visual? A força de sua arte precisa desta emoção? Da emoção da memória?

Sim, em minha pintura falo do que encontrei, do que me moveu de um lugar a outro. É a maneira que encontro de lidar com o que me espanta, minha pintura só acontece porque encontrei algo que me modifica o percurso, o meu modo de entender o mundo, de ver mesmo. Do que ficou impresso em mim e que sinto necessidade de compartilhar com alguém. Como não sou escritor ou um músico perneta, pinto.

5) Há um sentimento diante da sua criação de imagens em movimento, de uma busca que deseja fixar um momento de transição entre dois instantes. Com isto você sente superar o caráter de representação, o já nomeado realismo figurativo, e que este serve em sua pintura ou desenho para confrontar o espectador diante da superfície e do contraste dos planos, sem deixar, contudo, de ver o conteúdo íntimo da imagem?

Meu amigo, o pintor Joãozito, dizia que para a vida média de um pintor, eu era um garoto… Quando eu era mais garoto ainda, a pintura não existia mais, era coisa de outro tempo. O que quero dizer com isso é que minha pintura acontece em um momento em que muitas transformações no próprio campo de entendimento da realidade foram ampliadas. Mas o interesse pela pintura não para de crescer, mesmo diante de avanços tecnológicos fascinantes, e me parece que toda produção cultural contemporânea quer se aproximar de alguma maneira da pintura para se fazer, ou parecer, de alto nível. Eu me considero um pintor figurativo, que persegue a figura, cria armadilhas para construí-la e assim capturar o olhar de quem vê, por meio de armadilhas, artimanhas que aprendi com as obras de Picasso, Iberê, Bacon, Klimt, Zerbini e Freud.  É espantoso para mim como, às vezes, consigo alcançar um modo de produzir figuras que são compreendidas como arte, de ter um público interessado naquilo que pinto. Por isso não acredito num embate com o espectador. O que pretendo é que diante de uma minha pintura, o espectador se sinta envolvido por uma realidade que é também sua.

6) Sua figuração não torna seu trabalho realista, pois ao criar suas cenas, não devemos esquecer que ele retira delas a elaboração de uma pintura de composição, e disto, ao acrescentar o tom de suas cores, em variações mínimas, é quando você objetiva o que quer apresentar?

Sim, apesar de me considerar um pintor figurativo, não há a preocupação com o caráter realista no minha pintura, porém pretendo que ao pintar a figura de uma mulher ou um cão, estes sejam reconhecíveis em minha pintura.

7) Ainda no figurativo, para o meu olhar, em seus tons ou nuances, você provoca a tensão entre dois mundos, o instável e o estável, e neles as dissonâncias que trazem um desenho (sua base para o salto é o desenho), aonde absorve temas desde a decrepitude da carne (ou seria do afeto?), ao imprimir uma visão do envelhecimento e da morte, contundente, cáustica, incomodativa em seu retrato real, os quais  contraria, nega, distorce, ignora, e até mesmo desencadeia uma perda de contato com a realidade estável?

O que pretendo é mais próximo de evocar uma presença, mas não de uma pessoa, ou animal, ou planta, mas a presença do que aquilo me causou, da própria relação que foi construída no tempo e que me fez perceber um outro modo de ver. É meio que como tentar provocar uma brecha entre a matéria e a memória que me leve direto ao tempo do encontro. Encontro com a pele que se esvanece, com o amor que se encerra, com a chegada de um filho, com o medo do que não se conhece, o amor pela luz nas coisas, o escuro, com o medo, com a alegria, com o fato de se saber finito e com o meu espanto com essas todas as sensações. Por isso que falo das artimanhas que fui aprendendo a construir com o tempo, com a luz, com a linha e a tinta para alcançar este encontro através da figura.

8) Fale um pouco sobre outra vertente sua: o professor. Falo dos cursos ou oficinas de pintura digital que você ministra, utilizando o Ipad e os novos aplicativos. Sei que os participantes aprendem a utilizar esta técnica a partir do desenho de observação, além de aprender noções de compartilhamento de arquivos, preparação do arquivo final para impressão e noções de armazenamento em nuvem. Fale sobre isto.

Fiz oficinas na galeria RV e dei aulas aqui em casa, depois que muitos artistas que estavam fazendo este trânsito para o digital, começaram a me perguntar como utilizar os apps, que apps usar, dicas de impressão dos trabalhos e de como realizar mesmo as pinturas digitais nestas ferramentas. Em Milão dei aulas de pintura de observação em ipads numa escola particular de arte para adultos. Fui ganhando um certo conhecimento sobre o funcionamento dessas ferramentas, tentando resolver problemas práticos que encontrava e entrando em contato com outros artistas que utilizavam as mesmas ferramentas que eu, pra tentar soluciona-los e muitas vezes fui improvisando.
Hoje parei de dar aulas aqui em casa porque a casa agora é dos meninos. Eles tomaram conta de todos os espaços, mapearam cada centímetro. Sobrou pra mim um quartinho onde consigo pintar e eles entram pouco. E também porque meu tablete não é mais de ultima geração, apesar de estar feliz com ele e de conseguir trabalhar muito bem, ele não recebe as atualizações disponíveis para os dispositivos mais novos.  Dou aulas de desenho e pintura de cavalete para artistas que me procuram e que querem melhorar um pouco o desenho, a composição, e entender o funcionamento das tintas a óleo. Não sei se sou um bom professor, digo isso porque sou filho de dois professores e acho que entrego tudo já no primeiro momento… Não sei esconder o jogo para a próxima aula. Mas me divirto passando adiante o que aprendo e acaba que aprendo mais ainda, quando me perguntam algo que não entendo.

9) Sua mostra “Floresta Negra” é um trabalho que tem origem na Escola de Belas Artes. Pode falar sobre ela? Quantos trabalhos? Qual o tema? A técnica? E o diálogo dela com a Paulo Darzé Galeria, sendo este sua primeira exposição neste espaço?

Esta mostra é o resultado do meu mestrado em Artes Visuais na linha de Processos Criativos, da Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia. E minha pesquisa nasce como um desdobramento da minha atividade como organizador das revistas online de arte Boardilla e Magazzino, onde descobri que artistas estavam usando tabletes e smartphones para produzir pintura. Ao começar a usar estas ferramentas para produzir minha pintura, encontrei novas maneiras de pensar a relação com a imagem pintada, sendo ela um arquivo digital, e os problemas para sua conservação no tempo e exibição. E comecei a perceber que pintores que transitavam como eu entre a pintura digital e a pintura de cavalete (óleo, acrílico), tinham modificado certos aspectos estruturais em sua produção em tela pela influência do digital, modificando a estrutura de composição, cores, desenho, mas também a maneira como são pensadas estas novas pinturas.

Minha dissertação trata deste encontro entre a pintura a óleo e o digital na minha pintura, e a mostra “Floresta Negra” é o resultado prático dessa minha pesquisa. A mostra tem curadoria do meu amigo, artista e professor orientador Danillo Barata. Serão telas a óleo, pinturas digitais impressas e num suporte eletrônico (EosImago), e animações em vídeo disponíveis em recursos de realidade aumentada no app Eosliber desenvolvido em parceria com a startup Ripensarte, da qual sou sócio. O app já está disponível para download gratuitamente nas lojas dos sistemas operacionais IOS e Android, mas só funcionará de fato, diante das obras.
O relacionamento com a galeria Darzé tem sido de extremo respeito, cuidado e carinho com o meu trabalho. A confiança depositada no que faço por eles, que são profissionais de tanta estrada, me emociona, e espero que a exposição reflita a alegria deste encontro.

10) Como foi o processo de criação para efetivar “Floresta Negra”?

Tenho dois filhos, um de um ano e outro de quatro, quase cinco anos. Quando do preparo para esta exposição e tendo o costume de contar histórias para eles dormirem, um dia me dei conta que quase todas as histórias infantis se passam em florestas, selvas, ou lugares com uma densa vegetação. Comecei então a relacionar esta descoberta, do protagonismo da floresta como lugar onde surgem as histórias, com o momento de agora, dessa era antropocênica que vivemos e do obscurantismo político mundial, e em particular, com o cenário local.
Quando voltei da Itália no início de 2019, encontrei Salvador em luto, parecia pra mim que uma noite negra tinha encoberto a cidade, os amigos ansiosos, com muito medo do que estava por vir, e, para culminar, no fim de abril perdi minha irmã. Como sou um otimista e tenho dois filhos pra brincar, descobri com eles que de dentro do escuro podem surgir monstros, lobos ferozes, mas também tapetes mágicos, cavalos alados e outras histórias. E que é por isso que a floresta é negra, não ousamos conhecê-la de verdade e nem podemos, porque ela é território da nossa imaginação…

E se hoje muitos ouvidos se voltam para as vozes que vem de dentro do escuro das florestas do mundo, tentando criar novos tipos de relação com os saberes dos povos que de alguma maneira ao longo dos séculos cultivaram um modo de viver diverso do modelo em que vivemos, é porque parece que o modelo vigente está afundando, como a cidade de Veneza.
Muitos acreditam que a cura para todo o mal dessa era, milagrosamente surgirá de dentro do escuro da floresta, ou dos laboratórios do vale do Silício, o grande problema que se apresenta é que “não tem pra trás”. Nós não existiremos para toda a eternidade, mas o planeta continuará sem nós, apesar do nosso rastro. Se não dá pra voltar e consertar o que fizemos, o que nos resta é imaginar Wakandas dentro do escuro da floresta, lá onde o Google Earth não alcança, e onde utopicamente as novas tecnologias e os saberes tradicionais se encontram e produzem maravilhas.

Esta exposição integra meu mestrado na Escola de Belas Artes da UFBa, e trata do encontro da pintura a óleo com o digital. Entendo que o uso por pintores de tablets e smartphones para a prática da pintura digital está transformando a maneira como a pintura de cavalete é pensada e realizada. O meu objetivo com essa exposição é criar um espaço de encontro onde a pintura, a realidade aumentada e o vídeo convivam sem atritos, nem choques. E que pessoas de todas as idades se divirtam olhando através dos seus smartphones as coisas estranhas que encontrei na floresta que imagino. Para isso construí junto com a startup Ripensarte (http://ripensarte.it/), um aplicativo para que as pessoas possam acessar ao conteúdo em realidade aumentada contido em várias imagens ao longo da mostra. O app se chama Eosliber e já está disponível gratuitamente para quem quiser baixar nas lojas IOS e Android, mas a experiência de visualização só se dará, estando diante das obras que serão expostas.