About Mirela Cabral

Mirela Cabral was born in Salvador, Bahia, in 1992. Lives and works in São Paulo, São Paulo – Brazil.

First Things

One of the main roles of the painting (the good painting) is to communicate/trigger sensorial stimuli. In a moment in which those who practice this craft have been directing their interest to a sort of more direct “message”, Mirela Cabral searches for something prior, or as the title of one of her artworks, the First things. If her brushstrokes, gestures, pictorial, chromatical palettes and textures emanate, in the most diverse settings that assume in their poetics, uncountable states of mind. Colors and textures are the most primary ways that a living being learns how to read the world. They are, therefore, the most democratic sensorial experience there is. You might not know a particular color or texture, but you may feel it, perceive it. When they’re worked in a pure state, denuded of “disguises”, they offer us feelings and states of mind in a more direct way. Mirela Cabral talks about this space. You don’t need to understand painting to feel moved by one of her artworks.

For dealing with states of mind through a keen sensoriality, Mirela’s painting doesn’t fit in “boxes”, “phases” or chronologies. There’s a path, but the perception of the numinous transits through a field that transcends logic. And we talk about someone who explores and experiments with painting relentlessly, is interested in it, thinks it and communicates through it. The previsibility and formula won’t show up here. One can’t name such “first things”, but can feel them.

Going through this way, it’s reductive to classify her painting as “figurative” or “abstract”, categories that age continuously and become bounding. There’s a figure over there. They populate in their composition, sometimes in big dimensions, garden remains, balconies, architectures, paths and people. But ambiguous gestures, masses of paint, lines, stains and strong brushstrokes show up to prove that it’s about the painting itself we are talking about, and not about the theme. The set up assumed over there, that might sound familiar, is just a possibility, a pretext, a possible arrangement. And then we reach a high point of her poetics: Mirela, as someone who observes the world through painting, creates her painting through something that exists in the world. A view, a table arrangement, an architectonic element, a memory, a song: every interesting sensorial stimulus, as random as it sounds, serves her as raw material. A lesson she keeps with affection is taught by her mother, who guided her to organize her stuff and her surroundings through “colors that exist in nature”.

This exhibition gathers two poetic directions Mirela experienced throughout the last months. Here we don’t talk about closed series or finished sets, even because our artist doesn’t intend to drain any subject. They’re about pictorial experiences that she produced and has been producing, allowing possibilities of thinking the painting and its sensorialities originated from her.

From the first “direction”, a group of colorful artwork is emerged, exuberant and luminous, which titles bring the allusion to toponyms (Barra, Casa da Mãe), gestures (Batuque), elements (Oferenda, Barbalho e Lírios) and songs (Anos Blues). They are paintings that pinch elements of dead nature, landscape, portraits and other pictorial genres, combining them with pure pictorial elements, with masses of paint, textures and brushstrokes. In some of them, such as Casa de Mãe and Barra, it seems there is a particular suggestion of an atmosphere, maybe due the use of a smoother brushstroke and large usage of blues and its tones, colors that suggest infinity spaces. The artist, not attaching herself to any type of mimetism, ends up in the atmospheric through her essence: suggesting depth and openness. In the case of the second one, even there’s elements of a more “tectonic” order , with some white symbols in the upper canvas, the predominance of a blue symphony, that goes from cerulean to turquoise, with a few botanical remains that thrive through the canvas.

Another interesting work of this moment is Oferenda. A word associated with religious rituals, the same that consists of offers and gifts to spiritual agents. It prevails in this composition an undefined green background, of which, when close to the edges, it gains a very dark and almost opaque color, but when it approaches the central area of the composition it merges with the white, obtaining a foggy character, almost ethereal. Right below this green-white rendez-vous, blues, beiges, roses and purples arise in a flickering way, as chromatic flashes. If the background seems to suggest something impenetrable, that doesn’t fit in our comprehension, the main pictorial adjustment, fabricated by this exuberant chromatism, that seems to suggest a trial of communication with the intangible. The same can be said about Yemanjá, of which, among a blue vastness, shades of green and blue seem to point to something that lives in there. To paint is to establish relations between colors, and that’s exactly what Mirela does. From an unknown and mysterious blue, it blossoms the living and the organic. Everything is intertwined.

Batuque is highlighted due the living outbursts of red amongst a beige background with red notes. Here we see an approach to music. In the same way that the sonorous batucadas^[1] stand out amidst silence or a concert, here they explode, bringing the dynamism and pulse to the composition.

Then we get to the paintings of the second direction. The color still shows up, but it loses a little bit of its luminosity. The consistency also changes: the atmosphere from before converts into a humid, swampy, dense matter. The colors get sober, more terrestrial. The paintings from before seem to aim at the cosmic, the infinity, the numinous. The ones from these have something skeptical: they acknowledge themselves as paintings, and they think themselves as paintings. Chegada presents a similar composition of a flower arrangement, but it’s not the flowers that glimmer. Its reds and roses have something sanguineous, visceral. Its greens transpire more than they breathe.

Dentro, fora presents an arrangement of greens and yellows of a humid consistency and telluric shine. The framework has something suffocating. Even though the title alludes to a “outside”, the few remains of light blue that grows into the composition doesn’t seem to announce the exit of anything. They seem tangled among a dense bunch of pigment.

Gosto da chuva has an ambiguous title. We get confused if we’re in front of the artist’s esteem for the meteorological phenomenon or if she holds up on the “taste” of it^[2]. The fact is that what vaguely resembles a landscape seems wet, doughy, melted. In the upper part of the canvas, the appliance of turpentine brings a washed aspect, as if a great mass of water has knocked down the rest. And the feeling is a generalized humidity, of which a simple line, similar to a handrail, seems to be the only one to escape unharmed. In these works Mirela evokes the matter, the tactile, the teluric, the viscera.

Our artist, by constructing her painting through that which crosses her path, doesn’t intend previously unseen endeavors, inventions or revolutions. The painting has an entire history behind, and Mirela knows it. What is left, based on everything that has preceded her, to offer her version, her arrangements and point the way to the pictorial craft.

Theo Monteiro

^[1] Drummings

^[2] Translator’s note: “gosto” in Brazilian Portuguese can refer to the verb “gostar” (to like) or to the noun “gosto” (taste).

ENTREVISTA
por Claudius Portugal

1. Há uma dedicação em seu trabalho na pintura e no desenho. Há, creio, a partir de determinado momento, ainda o bordado. São estes os principais meios de investigação, por sua interação e complementação, para sua criação artística?

Sim. Porém, atualmente, ando investigando a pintura a óleo como principal mídia. Também pratico desenho todos os dias (sejam anotações em cadernos para o ponto de partida de uma pintura ou desenhos de observação do cotidiano).

2. Você constrói sua pintura a partir daquilo que existe no mundo, diz o crítico. “Uma vista, um arranjo de mesa, um elemento arquitetônico, uma memória, uma música: todo estímulo sensorial interessante, por mais aleatório que possa nos soar, lhe serve de matéria prima. Uma lição que guarda com carinho é uma ensinada por sua mãe, que lhe orientava a organizar suas coisas e seu entorno por meio das: “cores que existem na natureza”. O mundo que o cerca é o principal deflagrador de sua criação?

Hoje o principal deflagrador é o próprio ambiente do ateliê e a literatura.

3. Ao longo de oito meses de 2020, você morou no interior de São Paulo. Tempo da pandemia. Aproveitou este tempo e se dedicou a leituras, estudos, e a observar a casa que habitava, as plantas, os insetos, em sua trajetória e movimento., o que a levou a trabalhar em desenhos, pinturas “exuberantes e expressivos”, como a crítica denominou esta fase. Esta observação do cenário cotidiano durante o isolamento social repercutiu em sua obra, sendo uma motivação que já está anteriormente na sua criação, e passado este momento o que vê de mais significativo para sua obra nos dias de hoje depois deste isolamento e a sua reflexão?

Apesar da pandemia (e mesmo antes da pandemia), sigo com a mesma dedicação. O texto do Agnaldo é um recorte da fase que vivi antes da minha primeira individual. Para mim é o básico de um artista – se debruçar em leituras, filmes, músicas, conversas cotidianas (sejam profundas ou não) que nutrem e ajudam um olhar diferenciado sobre a vida. Tudo isso, inevitavelmente, está na obra. Por exemplo, esses dias assisti ao filme de Manoel de Oliveira chamado “Vale Abraão” e fiquei maravilhada. Podem pensar que não tem nada a ver com o trabalho. Mas algo está lá (seja uma referência de paisagem, seja uma referência de alguma personagem que me tocou para me motivar a produzir).

4. Citando o crítico Agnaldo Farias, “uma linha que começa com seu corpo enunciado por pastel oleoso, passa para o grafite, depois carvão, transmuta-se em tinta a óleo, enquanto todo o tempo pode ser acompanhada por nanquim. Os materiais, os gestos, a linha grossa, borrada, cores intensas, misturam-se. Há variados tons e manchas e linhas vibráteis, descontínuas”. Vê o resultado de seu trabalho, o que sua arte constrói, seja papel ou tela o suporte, compostas sempre por materiais e técnicas diversas? Ou temos trabalhos sem esta profusão de procedimentos?

Essa citação é de um texto do recorte da minha produção de aproximadamente três anos atrás. Muita coisa mudou. Como disse anteriormente, hoje me dedico predominantemente à pintura a óleo (na época do texto do Agnaldo utilizava diversos materiais sobre o papel). Mas isso me interessa. Afinal, a mesma artista realizou o trabalho de três anos atrás e o trabalho que realiza hoje. Também acho que os trabalhos dialogam. Acredito que a profusão de três anos atrás ainda existe hoje, de formas diferentes. A profusão de procedimentos parte muito mais do meu corpo, gestos e interesses atuais do que o resultado do trabalho em si.

5. Na apresentação de “Rebento”, exposição virtual, em 2001, o crítico Agnaldo Farias assim se refere sobre sua mostra: “A artista foge do virtuosismo, do gesto escorreito e adestrado; onde outros, de sua mesma geração, preferem a limpidez de imagens hiper-reais, sedutoras e apaziguadoras, ela opta pelo ruído. Em lugar do signo claro, ela nos oferece o garrancho, a garatuja; essa apologia da mão deseducada aproxima-a do que há de selvagem em nós, da constatação de que não há um caminho único, uma saída, apenas uma procura persistente e sem fim à vista”. O que tem a dizer sobre as várias perguntas que eclodem deste texto? O que importa mesmo são as linhas, a exuberância do grafismo? É necessária para efetivar sua expressão que as linhas sejam dilaceradas? E a multiplicidade de materiais, qual a importância deles para efetivar sua criação? Arte é uma procura persistente?

Não vejo as perguntas, pois não há ponto de interrogação no texto. Vejo possibilidades e exercícios de leitura do crítico a partir da obra naquele momento que podem gerar perguntas. Talvez hoje ele escreveria de forma totalmente diferente. Por isso, inclusive, convidei Agnaldo na época para escrever. É um intelectual, uma pessoa fresca e maleável, que pode mudar suas afirmações a qualquer momento e justificá-las com embasamento e propriedade. As várias perguntas, na minha opinião, surgem na execução e processo do trabalho e não se encerram.

As linhas e a exuberância do grafismo importam como o resultado do objeto concretizado (seja desenho ou pintura). Mas, respondendo à pergunta, o que importa mesmo é estar vivo e continuar trabalhando (independentemente do resultado de qualquer trabalho). No final das contas, não é somente sobre o resultado, mas sim, sobre o processo. Uma pintura abre o caminho para a próxima pintura existir e por aí vai. O que antecede o resultado do trabalho é o que acontece durante o processo. Não sei afirmar se a Arte é uma procura persistente, mas posso afirmar que viver através de uma mídia artística é suportar as dúvidas, as perguntas e os “erros” que geram novas oportunidades. Viver sem necessariamente procurar algo, mas sim suportar o mistério, paralelamente concretizando trabalhos de arte. Talvez, a procura só gera mais dúvidas e mais perguntas.

6. “Eu sempre achei meus desenhos explosivos e queria entender se ele era mesmo ou não. Quando eu vi que eu também explodia no bordado, só que levava bem mais tempo, eu entendi que era esse trabalho que eu queria ter, eu realmente tinha decidido isso. Assim, eu comecei a entender o tempo das coisas, a existência da desaceleração. Foi uma espécie de pesquisa rítmica do meu próprio corpo em ação com a matéria”. Essa observação sobre seu próprio trabalho continua válida na sua experimentação para o engrossamento de linhas, mudanças súbitas de cor, planos texturados e formas?

É uma pergunta interessante. Poderia dizer que não é válida, pois o trabalho mudou. Porém, poderia dizer que continua válida porque se não fizesse essa afirmação anteriormente, não estaria fazendo o trabalho que faço hoje. Apesar de uma reflexão contraditória, sim, considero essa observação válida.

7. A crítica se pronuncia que a partir daí, há uma forte característica de irromper o que é referente, prezar pela descontinuidade de composições e de faturas coerentes, por meio de linhas interrompidas, entrecortadas e fraturadas, tornam suas obras singulares e aproximam o espectador do que há de selvagem em si. O que pode dizer sobre esta observação? E a que segue de que nesta busca surgem figuras humanas em pinceladas suaves e incisivas e que há um interesse em contar histórias e um ativismo contra a violência à mulher?

Vejo a primeira frase da pergunta como uma forma sensível de quem estava prestando atenção no trabalho quando escreveu. Às vezes os textos escritos sobre o meu trabalho me trazem informações e reflexões que nunca havia pensado. Gosto dessa interlocução entre a obra e o texto. O que posso dizer é que por mais que aprecie essa afirmação, não posso comentar, pois não fui eu quem disse isso. Afinal, não sou escritora. Estou em constante auto descoberta através da pintura como veículo. Houve esse momento onde escreveram “há uma forte característica de irromper o que é referente, prezar pela descontinuidade de composições e de faturas coerentes, por meio de linhas interrompidas, entrecortadas e fraturadas, tornam suas obras singulares e aproximam o espectador do que há de selvagem em si”. No futuro, pode-se escrever algo totalmente diferente. Prefiro deixar o trabalho sempre em aberto e continuar pintando. Não tenho controle sobre o que dizem e o que escrevem.

Não preciso comentar o ativismo contra a violência à mulher, pois é óbvio e intrínseco as minhas ações. Se quiser enviar uma pergunta mais específica, posso tentar responder.

8. A formulação “arte abstrata x arte figurativa”, não parece ser um princípio cultuado por você na sua obra, e disto sobressai que a arte não trata de coisas reais, mas de ideias referentes às coisas reais. Arte é uma aventura da linguagem. Como tal, diz respeito ao ser humano”. É nisso que acredita?

Hoje acredito. Amanhã posso reformular. Estou em movimento e para mim, isso é o principal. Meu maior medo é atingir um momento relevante comercial da minha obra e ficar estagnada nesse momento apenas pelo mercado. Quero, gosto e preservo estar em transformação.

9. Quantas obras, tela, papel, formatos nesta individual na Paulo Darzé Galeria? Creio ser a primeira vez que a Bahia mostra a arte de Mirela, de uma baiana. Há uma expectativa nesta chegada à cidade da Bahia?

Entre 18-24 obras. Vamos definir na hora da montagem. Não há uma expectativa nesta chegada, mas sim uma enorme gratidão e orgulho de estar fazendo uma individual na cidade onde eu nasci, onde está a minha família. Além de ser uma cidade que amo. Me sinto extremamente honrada.